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L’enfance récupérée, les nuages qui racontent des histoires, retrouver cet état premier onirique où tout peut arriver. Instants de vie privilégiés avec les incertitudes et les doutes mais aussi la liberté porteuse peut-être des bonheur, que sais-je ? En un mot : l’aventure.

Ne jamais reproduire, créer, toujours créer. Il faut déchirer le rideau de la réalité pour entrevoir l’essentiel, ce que j’appelle la spiritualité de l’invisible. Chaque tableau représente une aventure, je m’y risque sans savoir comment cela va finir. Je crois à la puissance du travail. Le tableau dit tenir debout, s’imposer par son équilibre, son évidence.

Dans chaque êtres humains, il y a un côté pile et un côté face. Dans la création les deux se confondent et parfois, du fond de l’inconscience, il jaillit des sensations, des non-dits, les non-voulu, peut-être trouve-t-on un peu de soi-même.

André CHICHIGNOUD

D’une malle l’oubliée dans le grenier, André a retiré avec émotion d’anciens « jouets d’avant… » Il en a fait un jeu d’assemblage qu’on nomme ordinairement « tableaux ». Il les a lâché à l’ombre des arbres et au soleil de la « cour de récré », pour voir danser cette joyeuse sarabande dans la douce musique de la création.

J. Saussac (artiste peintre)

Avoir été chef d’entreprise accompli pour devenir peintre, savoir préserver, à la maturité, le rêve et l’onirisme de l’enfance, garder l’imaginaire débridé, presque naïf, au service de l’inspiration, être technique et paraître spontané, voilà bien ce que j’appelle une vraie peinture de tripes et de cœur sincère et honnête. André, merci d’être cet artiste là car vous êtes si peu nombreux !

J. Blanchet (Galeriste)

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Sur la peinture d’Andrée Chichignoud, le regard ne glisse pas, il s’arrête… Adviendront-t-ils sur la toile ces êtres zoomorphes qui, enfouis au plus profond de son subconscient, hantent le peintre ? Ou encore, les flamboiements de l’automne, le tremblement de l’eau, la fantasmagorie des nuages… Ou les états d’âme du moment, s’organiserons-t-ils dans un précipité savant de tâches colorées ? A ce stade, il est l’exécutant d’une force créative qui le dépasse. Puis vient le long travail de l’œil et de l’esprit, gageure aussi, car ne doivent pas s’éteindre sous le labeur les effusions créatives qui font la chair et l’âme du tableau…

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« Ce qui est beau sur la toile, dit André Chichignoud, ce sont des choses simples qu’on féconde. ». Ainsi son œuvre s’enrichit elle de sa propre exigence de liberté, échappe-t-elle spontanément à tous les pièges de la pratique picturale et se maintient-t-elle en une sorte d’état de virginité ou de grâce permanent. 

V. Baconnier (Critique d’Art)

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Peindre est un acte de volonté : André Chichignoud à cette volonté, ce quelque chose à nous dire dont parle Gaston Bachelard à travers les rêve de la volonté créatrice, un univers foisonnant d’images pleines d’énergie, de couleurs en fête et de formes imprévisibles.

K. Gilles (Commissaire d’Exposition)

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Une composition de Chichignoud est une accumulation inouïe de couleurs, témoignage d’une vitalité hors du commun. Sa peinture est gestuelle, non abstraite mais narrative. Elle se métamorphose pendant sa croissance, couche après couche. L’image s’enfuit sous la matière, jusqu’à une naissance bouillonnante, non figurative où mère émergent des visions nouvelles.

F. Vanel (Historienne d’Art) 

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Sofie MELNICK

Ma démarche personnelle :

Ma démarche en tant qu’artiste quel que soit le médium utilisé est de transcrire ce que je perçois et vois dans notre société sur le moment. J’essaye de ne jamais oublier notre condition éphémère dans ce monde et je me place comme témoin pour exprimer ce que je capte. Il me semble important de ne jamais perdre le sens de l’humour en réalisant des œuvres qui soient ludiques et poétiques. Mon domaine de prédilection étant le monde animal, je puise dans cette large palette qui m’inspire.

Je prends aussi régulièrement en photo mes réalisations en les mettant en scène dans les décors naturels de campagnes ou de villes.

Ma technique :

Mes sculptures sont faites uniquement de carton que je modèle, quels que soient le volume et la taille des structures et je mets la priorité dans l’utilisation de matériaux récupérés : cartons, journaux et papiers imprimés : photographies, papiers peints, papiers cadeaux, articles de presse, serviettes en papier. La banque de France m’a donné 50kgs démonétisé de nos francs, ce qui m’a permis de réaliser à cette occasion des sculptures avec une symbolique toute particulière.

J’ai développé cette technique du papier mâché en autodidacte suite à des demandes constantes de décors, à Paris, qui nécessitaient une rapidité, une souplesse et légèreté d’exécution hors normes. Puis ce matériau est devenu mon médium privilégié.

Depuis plus d’une vingtaine d’années je travaille uniquement avec le PAPIER, du début jusqu’à la finition d’une réalisation en tentant de lui donner une élégance

Avant de choisir le papier j’ai longtemps travaillé avec d’autres matériaux tels que : la terre, la pierre, les silicones divers et les naturels éphémères (sable, neige).

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Christian DELL’OVA

S’approprier un visuel, le recomposer, le restructurer, créer une nouvelle version : composer un REMIX.

L’ensemble de mon travail, quel que soit le médium – tableaux, caissons lumineux, sculptures ou installations – se fonde sur ce principe de réinterprétation.

Trois axes principaux guident mes recherches :

1 – Le souhait d’obtenir une dynamique forte dans mes œuvres m’amène progressivement à travailler la forme et les volumes de mes supports : sortir du carré ou du rectangle simple pour tendre vers des compositions géométriques à la force graphique accrue, à accentuer les plans.

2 – Mixer travail sur l’image (via le collage papier – affiches décollées, flyers musicaux ) peinture, tissus ou tapis et jouer sur les effets de matière, le contraste ou la proximité.

3_- Enfin, utiliser régulièrement la lumière et la transparence: partie rétro-éclairée soulignant certains éléments de la composition.

Ce sont des constantes dans mes travaux, sans être systématiques. Mon parti-pris est la confrontation de références culturelles, d’époques, d’univers différents, au sein d’un espace graphique commun. Jouer sur l’interférence ou l’opposition d’éléments plastiques me permet de faire résonner une nouvelle “ histoire ”subjective.

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Une nature luxuriante et extravagante. De personnages y évoluent au sein d’espaces tour à tour vastes et minuscules. Les architectures deviennent aériennes et organiques, elles flottent, légères, dans les airs.

Les corps, les maisons, la nature, s’entremêlent dans ces univers microscopiques et infinis. L’ensemble a des allures de collection naturaliste ou de vues du ciel où le merveilleux s’invite dans les détails, les matières et les couleurs.

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« La Distorsion qui habite le Monde »

Quand on regarde la pochette du disque « In the court of the Kimson King » par Barry Godber, on se dit qu’on a affaire avec Eric Demelis, à la même obsession effarante : il faut que la distorsion qui habite le monde soit exprimée. 

C’est la raison pour laquelle tous ces monstres nous paraissent incroyablement familiers. C’est sans fin, parfois c’est si récurrent qu’il est nécessaire de nous montrer la simultanéité des déformations. La couleur, parfois, calme le jeu et ancre paradoxalement davantage l’erreur génétique communément partagée dans un réel presque bucolique.     Emmanuel Merle ( 2018 )

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Eric Demelis

Qui a déjà affronté les créations d’Eric Demelis retrouvera, à l’évidence, certains traits constitutifs de son œuvre. Il y’a d’abord un amour inconditionnel du dessin, celui de la face, du visage, pour l’essentiel. Les figures humaines pullulent, s’entrecroisent, s’entrelacent, jusqu’à former un vaste conglomérat qui va jusqu’à saturer l’espace de la représentation, bien que leur singularité demeure vivace. La société, le monde, la vie en somme, c’est ainsi. Comme le disait un grand philosophe du 17^ème siècle, Spinoza, « des corps composent avec des corps ». On se frotte, s’accroche, se délie ou s’aime, c’est toujours sans le commandement de la rencontre qu’advient un machin-vivant. A côté de ces déroutantes agglomérations, de la place est faite pour des motifs particuliers, plus épurés, faces ou silhouettes.

Me touche particulièrement la série réalisée au crayon de couleur. Elle me fait irrésistiblement penser à l’Art africain, plus précisément à la statuaire de l’Ouest. Les traits y sont délibérément exagérés ou diminués, et dans cette métamorphose consentie, on parvient à une adéquation plutôt troublante ou tremblante, au réel du corps. Il y’a aussi cette belle conjugaison entre le texte et l’image avec les auteurs Armand Dupuy et Perrin Langda. Elle se réalise dans maints formats. On ne sait qui a initié l’un ou l’autre, mais peu importe au fond. Ce sont des adages, parfois des aphorismes, des formules banales qui se glissent au travers des têtes improbables. Car, qu’est-ce qu’une caboche, sinon un lieu où gisent et circulent, jour et nuit, des masses de propos incohérents, au mieux surréalistes. Ceci m’évoque le terme de « grotesque », dont il faut vérifier l’origine italienne indiquant la caricature. Il s’agit, ici ou là, d’ornements nés dans les grottes, lieux de recueillement. Aussi s’en tiendra-t-on à cette banale constatation. Le portrait n’existe pas pour magnifier la face humaine, selon un idéal classique, où elle constituerait l’essentiel de l’être. Vaille que vaille, pas question ici de faire grise ou triste mine, c’est juste du graphite ou de l’encre de chine. Quant à la tête qu’on a, la mérite-t-on ? A vous d’en décider.

Laurent Henrichs, 9 septembre 2017

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Infibulation

Dans le monde, on estime à 130 millions le nombre de femmes mutilées sexuellement. Chaque année, 2 à 3 millions de fillettes et de jeunes femmes subissent une mutilation sexuelle féminine (excision et/ou infibulation).

L’infibulation est la suture de la majeure partie des grandes ou des petites lèvres de la vulve, ne laissant qu’une petite ouverture pour que l’urine et les menstruations puissent s’écouler. Elle est habituellement pratiquée sur une enfant prépubère dans le but de lui empêcher tout rapport sexuel vaginal.

Ici la bouche mise à la verticale évoque la sexualité (une vulve), la sensualité (un corset de femme), la brutalité (les mutilations sexuelles).

Cette série de 35 bouches cousues rend aussi compte de la censure faite aux femmes et à leur incapacité à sortir de cet asservissement aux désirs masculins.

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Vera Icona

« Quand une femme parle, elle en inspire une autre, c’est important. Le temps de la solidarité mondiale est venu. » 
Elif Shakaf

Cette série fait directement référence à l’iconographie du voile de Véronique représentant le visage du Christ révélé sur le linge.

Ici, sur des linges, 35 visages de femmes voilées de cheveux éparses symbolisent la féminité. Dans l’histoire du monde, de nombreux exemples montrent le lien systématique entre les cheveux des femmes et leur séduction. Et dans la barbarie faite aux femmes, la tonte de leur chevelure est le symbole de son déshonneur. Féminité si fragile …

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This is not consent

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Irlande 2018, un homme de 27 ans est accusé du viol d’une adolescente de 17 ans à Cork. Ce dernier a été acquitté. A croire que le défense de son avocate a convaincu…

“Vous devez regarder la façon dont elle était habillée. Elle portait un string en dentelle!”. Ces mots sont ceux de son avocate, Elisabeth O’Connel.

 

Un string en dentelle comme preuve de consentement ? Au cours de sa plaidoirie, l’avocate de l’accusé a fait valoir les sous-vêtements de la victime présumée …

Pour s’indigner contre le verdict du procès, la députée Ruth Coppinger a arboré un string en dentelle en pleine séance du Parlement irlandais. La députée entendait ainsi dénoncer la défense de l’avocate d’un homme…

Des femmes indignées acceptent de me prêter ce petit bout de tissu, symbole de culpabilité supposé, que je dessine épinglé.

Corpus Christi

Le diptyque intitulé Corpus Christi aborde la question du rapport du christianisme au corps et plus précisément au corps féminin, exclu par son indignité supposée. Depuis Ève jusqu’à la sorcière du Moyen Âge, le corps de la femme est lieu d’élection diabolique.Proposer un Christ féminin, c’est interroger l’histoire : qu’aurait été l’humanité si le Christ avait été une femme ? Une femme crucifiée c’est dire aussi l’asphyxie des sociétés viriles. 

« Hic sunt dracones »

Mon univers artistique s’articule autour de l’humain et de ses émotions, de  l’empreinte et de l’intime… Le travail du corps m’est indispensable, peut être  une réminiscence de mon métier d’infirmière. Je le peints, le sculpte dans  des matériaux divers tels fil de fer, papier, tissus anciens, fils, objets de  récupération… Quelquefois l’utilisation du moulage d’une partie d’un corps  donne une dimension humaine vive à l’oeuvre. La matière qui aux sources de  mon travail était solide, dure, devient avec le temps plus malléable, légère,  inconstante parfois. Je retrouve les gestes féminins du tissage et crée des  sculptures en fil de fer, faites de transparences, une surface comme une  peau mais ou le regard ne peut être stoppé. Lentement dans un temps  méditatif je donne naissance à un peuple de formes humaines qui nous  attirent vers l’au delà des apparences. Sensation de fragilité et de force,  corps transparents, fragiles et forts, gestes essentiels captés dans leur  course, courbes suspendues, jeux de lumières et d’ombres. Les têtes  s’amenuisent, les dos s’effilent, les membres s’absentent, les visages  disparaissent. La peau s’évanouit, rendant visible l’invisible. 

 Ici il y a des dragons 

Les notions de frontières, de refuges, d’exil sont au coeur de l‘actualité. Mon  travail actuel questionne ces notions de mobilités, de migrations, de  trajectoires, de territoires. 

Entre rêves et nécessités… économiques, familiales, climatiques, sanitaires,  politiques, religieuses… la migration est un phénomène probablement aussi  ancien que l’humanité. Les mers et les montagnes, les routes et les sentiers  sont des lieux de passages lors de ces déplacements volontaires ou  

contraints. Les régions de montagne, et donc aussi l’arc alpin, ont toujours  été marqués par des mouvements migratoires. Marchands, contrebandiers,  travailleurs ambulants, déplacés, réfugiés… 

 « Hic sunt dracones » (en latin, littéralement, « Ici sont des dragons ») est  une phrase apparaissant en cartographie médiévale et utilisée pour désigner  des territoires dangereux ou encore inconnus, imitant en cela une pratique  courante de mettre serpents de mer et autres créatures mythologiques dans  les zones vierges d’une carte. 

Dans cette recherche en cours plusieurs éléments sont déjà là.

 L’Eldorado… 

Une série de pieds, traces d’hommes, de femmes et d’enfants, en marche  ou figés comme en attente, ancrés dans le sol ou en mouvance, trajectoires  de vies … s’agrandit à chaque nouvelle rencontre. Pour ce travail des  moulages de pied ont été effectués sur des « passants anonymes », dans  des lieux variés ou j’ai eu l’occasion de faire des expositions ou des  résidences, lors de rencontres fortuites…et sont supports de découpage de  plans de ville, de cartes routières et autres.  

Un pas, un autre pas, une terre, une autre terre, l’errance d’un espoir, à la  recherche d’un eldorado, contrée fantasmée, lieu de libertés, promesse  d’opulence, désir d’un ailleurs meilleur. Au fil de l’itinérance, la carte routière,  découpée, morcelée devient un lieu géographique sans repère, un entrelacs  de lignes, les nouvelles routes d’une histoire en suspens. Les contours  géographiques sont flous, rues et ruelles, lignes de relief, rivières et routes,  frontières sont menus tronçons sans aucune indication, réduits en bouts de  tracés, et se croisent, se heurtent, se chevauchent , dessinant des itinéraires  inconnus, des territoires hostiles, incompréhensibles, des lieux sans  mémoire. Au bout de la marche incessante, les rêves d’espoir se heurtent  brutalement aux parois de cet eldorado imaginé. ( travail en cours)

Les « Hommes-papillons… » 

Venus d’un ailleurs de bruits pesants, de terres piétinées, d’espaces de  haine, attirés par les lueurs d’un autre ailleurs, d’un monde d’ espoirs,  souvent d’un monde rêvé, idéalisé… Passagers éphémères, seront-ils  accueillis? Pourront-ils rester? S’arrêteront-ils un temps ou devront-ils continuer toujours plus loin? Traverser encore les frontières, les rochers  inhospitaliers, les mers furieuses?… 

Un personnage en fil de fer de 2m de hauteur est déjà réalisé.UN autre suit,  en cours de réalisation…la couverture de survie dorée le recouvre . 

(travail en cours)

Terra incognita 

Avec le développement des sociétés de  

géographie, au xix^e siècle, la mention de terra  

incognita a peu à peu disparu des cartes. 

Pourtant dans ces temps de errances, de voyages  

vers l’inconnu, des rêves de recommencer une vie  

sur une terre étrangère, de se réinventer un  

lendemain la notion de terra incognita me semble  

d’actualité. Celui qui n’est pas attaché n’est pas  

libre, il est errant. Privés de terre, arrachés à ce qui  

faisait leur existence quotidienne, celle d’un  

humain avec ses habitudes, ses lieux, ses 

vêtements, son lit, sa nourriture, sa foi ou non, ses  

proches, ses racines…ces hommes et ces femmes  

pourront ils se reposer, rester, s’arrêteront-ils un  

temps ou devront-ils continuer toujours plus loin,  

traverser encore les frontières, les rochers  

inhospitaliers, les mers furieuses… 

Une vie sur une terre étrangère, découvrir un  

nouvel horizon, réinventer un lendemain… L’exil  

est une aventure humaine complexe, sensible,  

souvent douloureuse. 

(travail en cours)

Mare  

( travail en cours – broderie mer méditerrannée-cartes marines) 

Oublier le ciel  

 brulé 

 les sillons dechirés  

 des terres stériles 

le regard tendu vers  

 un ailleurs rempli 

 de promesses dorées. 

Sur l’océan des illusions 

 la barque dérive 

 jours nuits nuits jours 

 balancement de temps vomissements 

 de prières cris noués 

instants aveugles à force  

 de néant.  

Puis l’épave brisée  

 sur la fin de la mer 

 une autre terre 

 improbable refuge 

 regards échoués 

 mains tendues 

 corps vidés 

Et d’autres mains qui 

 repoussent. 

 L’horizon noir 

 rétrécit 

dans les yeux 

 des hommes immobiles. 

 les rêves explosent. 

Quelques travaux en collaboration commencés il y a plusieurs années:  

– « La marche silencieuse » (de femmes, résistance muette, révolte  silencieuse face aux conflits) 

– « La Recluse » (En collaboration avec Eric Lorré. Installation interactive  qui donne vie à une jeune femme recluse, le spectateur cherchant grâce à  un stéthoscope dans les fils de métal la parole enfouie) 

– « Goutte de silence » (Crée lors d’une résidence à l’abbaye de Boscodon.  Installation interactive qui nous laisse à entendre les « mots du silence »,  mots recueillis auprès des personnes vivant à l’abbaye ou la visitant). 

– « Fil de femme, fil de faire » ( En collaboration avec Agnes Dumouchel ,  conteuse, et le centre de l’Oralité de Gap. Interviews, récits de vie et  création graphique dont une partie met en lumière les non dits et les  

silences qui existent encore aujourd’hui autour de la transmission  féminine)… 

– « Au fil du rail, paroles de femmes » (Conte -expo en collaboration avec  A.Dumouchel conteuse et le musée du rail de Veynes) 

– « Quotidien-cotidiano » (En collaboration avec deux artistes  colombiennes lors d’une résidence à St Mathieu de Treviers. Illustration  montrant la ligne cyclique du temps que représente le quotidien-interviews  et échanges avec la population) 

– « Mémoires silencieuses » (Travail sur l’absence, le deuil, silence du  temps qui tisse son linceul. Un travail mené conjointement avec les  scolaires autour du coeur a été réalisé et présenté dans le cadre de cette  exposition) 

– « 4 Dialogues – F comme… » (En collaboration avec N.Rak autour de  l’intimité et du féminin à la galerie municipale de la Grange à Gap)

Jean Silon et Armand K.

Ce qui m’intéresse, c’est d’exprimer les émotions humaines fondamentales.

Je veux exprimer mes sentiments et ceux venus d’ailleurs. 

Peu importe la façon dont la peinture est posée, tant que quelque chose est dite.

 Je me sens plus proche du tableau, car je peux ainsi en faire le tour et écouter leurs silences me parler. 

Quand je peins, je n’ai pas conscience de ce que je fais. Ce n’est qu’après une période d’acclimatation que je vois ce que j’ai fait.

Je n’ai pas peur de faire des changements, car le tableau a sa propre vie et ses propres Échos.

Jean Silon

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Ma rencontre avec le bois m’a permis d’épouser ce métier de sculpteur qui, je ne l’aurais imaginé, est aujourd’hui ma passion.

Le bois est un élément naturel, vivant, noble, dans lequel je trouve inspiration. L’observation de ses cernes, de ses nœuds, de ses formes ou encore de son écorce, me sert de miroir décalé pour penser la complexité de l’Homme et de son existence.

Je m’inspire principalement de ce qui m’interpelle au quotidien, que ce soit personnel, ou simplement ce que je peux apercevoir dans mon entourage, et dont beaucoup ne tiennent pas compte. Une sorte de rétroviseur pour rappeler les consciences.

J’aime a faire ressortir mon origine et ma culture dans mes œuvres, ce pourquoi on y retrouve un style et une symbolique évoquant le Sahel. Les œuvres que je vous propose en sont des illustrations.

Armand K

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Terra

TERRA

Une matrice

Une pulsation

Un souffle

Une résonnance qui m’a toujours habitée. Depuis mon enfance, j’ai cette mémoire contemplative où Mère Nature m’invitait à franchir le seuil de l’indicible et à inscrire en moi la notion de Beauté.

Les Eléments ont ouvert les portes de ma sensibilité.

De multiples tableaux ont envahi mon imaginaire avant que je sois prête à les peindre réellement.

Mon inspiration vient de mes marches, de mes voyages…

En Montagne où les lapiaz lacèrent le calcaire, les schistes s’effeuillent en couches, la roche se dresse ou se couche dans une composition chaotique.

Le long des Côtes à la frontière des mers.

Dans l’Ouest Américain où le regard se perd dans les nuances mouvantes des Sandstones ou dans les couleurs sublimes des strates du Grand Canyon.

Ce sont quelques unes de ces empreintes qui affleurent dans mes créations…

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